Cine Experimental desde Palestina, Iran, Belgrado, NY, Berlín, Francia, entre otros..en J-town

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Hola Toxic@s,

Les presento esta muestra de cine experimental que no se pueden perder. Muchos de los trabajos son clásicos del cine independiente y el resto son trabajos recientes que están siendo presentados en festivales importantes del cine experimental en diferentes partes del mundo–por lo que es la primera vez que se muestran en México.

A continuación les presento el programa y calendario del festival:

<Cuerpo labor cuerpo máquina>
<Body labor body machine>

Space One
<cuerpos en rutina>

Tienda Sereso Guerrero

Opening: October 30, 4:00 PM

Instalación de video del 30 de Octubre al 3 de Noviembre

Space One presenta una serie de películas y trabajos animados por artistas que trabajan dentro y fuera de Corea. Los diferentes retratos de los “cuerpos en rutina” reproducen repeticiones similares a las de una máquina con las complejas relaciones entre el Yo, otros y la sociedad. En la Pantalla Uno “cuerpos en público”, Yaloo and Dew Kim trabajan sus propios cuerpos para imitar los movimientos corporales construidos para el público masivo en la forma de rutina de ejercicios y K-pop con una estética pintoresca y queer. En la Pantalla Dos “cuerpos en sexo, belleza, y aburrimiento”, los loops de los trabajos animados de InYoung Yeo, JunSeo Hahm and Sonsunk exploran los tópicos de trabajo corporal en búsqueda de la ilusión de satisfacción sexual, belleza, y aburrimiento en formas y patrones abstractos minimales. En Pantalla Tres “cuerpos en fragmentación”, Kelly Sun Kim, Ahyong Lee and Nanjoo Lee experimentan con formas artísticas no-lineares al hacer cine para mostrar la fragmentación del contar historias cambiando perspectivas a lo marginal. En la Pantalla Cuatro, “cuerpos en Yo y otros”, el duo artístico Yeyoung Kim y Younggeun Kim representan un viaje ensoñador de cuerpos en dos lugares a la vez, el medio ambiente de la ciudad experimentada y su propio espacio.

 

El Cinito  30 Oct 6PM

 

OUROBOROSO

Ouroboros

 

Sinopsis:
Ouroboros es el primer film de la aclamada artista visual Basma Alsharif. Este film experimental es un homenaje a la franja de Gaza y la posibilidad de esperanza basada en el eterno retorno. El film sigue a un hombre a través de cinco diferentes paisajes, poniendo de cabeza la representación mediática del trauma.

Un viaje fuera del tiempo, marcando el fin como un principio, explorando el tema del eterno retorno y cómo nos movemos hacia adelante cuando todo está perdido.

Biografía de la Cineasta

Basma Alsharif es una artista visual que usa imágenes fijas y en movimiento, sonido, y lenguajes, para explorar el individuo anónimo en relación con la historia política y la memoria colectiva. Nació en 1983 en Kuwait, recibió su MFA de la escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Illinois en Chicago en 2007 y ha estado trabajando en Cairo, Beirut, y Amman desde entonces. Su trabajo se ha mostrado en exhibiciones y festivales de cine internacionales incluyendo el 17th SESC Videobrasil, Forum Expanded: Berlinale, Images Festival Ontario donde recibió el Marion McMahon Award, Manifesta 8 The Region of Murcia, The Yamagata International Documentary Film Festival, The 9th Edition of the Sharjah Bienniale donde recibió el premio del jurado por su trabajo, Toronto International Film Festival, y se le otorgó el Fundation Marcelino Botín Visual Arts Grant in 2009-2010.

 

MY TEHRAN FOR SALE

Cinito 30 Oct 7:30 PM

Marzieh es una joven actriz que vive en Tehran. Las autoridades prohiben su trabajo de teatro, y como muchas personas jóvenes en Iran, se ve forzada a llevar una vida secreta para poder expresarse artísticamente…

La dirección está a cargo de Granaz Moussavi quien es Iraní-Australiana y poeta contemporánea, directora, y guionista. Es principalmente conocida por sus renombrada poesía vanguardista en los 90s.

 

En Alcohólicos Anónimos (AA) 24 horas de la 20 de Noviembre y Perú

Jueves 31 de Octubre 3PM-5PM

Short Program 1: Cortos por Barbara McCullough, Young Joo Lee, Jaakko Pallasvuo y Guillaume Cailleau

1)
WATER RITUAL #1: AN URBAN RITE OF PURIFICATION 
6 minutes
1978
Director: Barbara McCullough

Sinopsis:

“WATER RITUAL es el punto inicial de mi viaje para crear experiencias catárticas para mi y para mi comunidad y otros participantes espectadores a través de seleccionar acciones simbólicas que se comunican con un pasado espiritual y ancestral”. (B.M.)

Bio:
Barbara McCullough (nacida 1945) es una directora, productora administrativa y artista de efectos visuales a la que su trabajo de dirección se le asocia con el cine independiente negro de la escuela de Los Ángeles. Es muy conocida por su trabajo Water Ritual #1: An Urban Rite of Purification (1979), Shopping Bag Spirits and Freeway Fetishes: Reflections on Ritual Space (1980), Fragments (1980), y World Saxophone Quartet (1980).

2)
DISGRACEFUL BLUE 
10:30 minutes
2016
Director: Young Joo Lee

Sinopsis:

Una mujer asiatica, la artista, da a luz a una niña de ojos azules. Su familia ignora a la recién nacida a causa de su apariencia interracial. La mujer salta al mar con su bebé, lo cual cambia la perspectiva narrativa de la mujer a la bebé.

La historia trata un viaje de una heroína quien es “la otra” en una sociedad conservadora. Ella se vuelve parte de la mayoría al esconder su otredad solo para darse cuenta al final, que su “azulado” interior no muere, pero que solo nace de nuevo en otra forma, en otra generación. El soundtrack del video fue creado completamente a partir de la voz del artista y el sonido de su cuerpo en movimiento. El concepto del viaje interior viene de las pinturas tradicionales asiáticas de paisajes en pergamino. Las pinturas en pergamino representan paisajes ideales imaginarios. El paisaje y la arquitectura en esta animación son espacios psicológicos y locaciones que existen en una memoria personal.

Bio:
Young Joo Lee encuentra inspiración en sus sueños, historias personales y políticas para crear esculturas, dibujos, y piezas performatives. Sus recientes videos animados son una compilación de estos medios, los cuales reflejan la estructura de un pergamino para poder llevar al espectador en un viaje imaginario. Su trabajo es un vistazo a cómo nuestros medios ambientes no solo están fuera de nosotros sino cómo verdaderamente alteran nuestra percepción total informando nuestras identidades personales.

Young Joo Lee (n. 198 Seúl, Corea) vive y trabaja en Los Ángeles. Tiene un BFA en pintura de Hongik Arts University, Corea, un Meisterschülerin en cine de Städelschule, Frankfurt Germany, y un MFA en escultura de la universidad de Yale. Ha exhibido su trabajo nacional e internacionalmente. Lee es actualmente Collage Fellow en Media Practice en la Universidad de Harvard y está afiliada a la Concentración de Teatro, Danza, y Nuevos Medios.

3)
MASK
6:30 minutes
2017
Director: Jaakko Pallasvuo

Sinopsis:
Basada en un texto escrito por Huw Lemmey

Bio:
Jaakko Pallasvuo (1987) vive y trabaja en Helsinki, Finlandia.

Pallasvuo hace videos, textos, performances e instalaciones que exploran las ansiedades de estar vivos en estos momentos, y la posibilidad de vivir en algún futuro posible.

4)
LABORAT
22 minutes
2014
Director: Guillaume Cailleau

Sinopsis:
En un centro de investigación de cancer en Berlín, un equipo de filmación graba experimentos de ratones. Los roedores pasan por un rango de medidas y, close-ups extremos, los vemos siendo operados, inyectados o pasados por un scanner. La subida y bajada del pecho del ratón, una pierna de ratón estirada o un close-up a una nariz roja causa asociaciones involuntarias con mascotas. No sabemos si son el mismo ratón o muchos diferentes: estos animales de laboratorio son completamente intercambiables. Incomodidad es una palabra demasiado débil para captar los sentimientos evocados cuando se observan estas grabaciones a gran detalle de vivisección: un estomago fuerte es ciertamente recomendado. El método análogo de grabación da a las imágenes un look de los 80’s; solamente que la presencia del equipo de laboratorio ultramoderno devela que el film fue hecho recientemente. Los cineastas, quienes evaden polémicas o sentimentalismos, también muestran sus propias preparaciones al probar diferentes ajustes en el sonido y las imágenes, haciendo que todo sea un experimento dentro de un experimento. Las imágenes silenciosas son ocasionalmente interrumpidas por la dirección de los cineastas, haciendo toda la situación más abstracta, clínica, y opresiva.

Bio:
Nacido en Francia 1978, Guillaume Cailleau está basado en Berlín. Su trabajo varia de película de 16mm a video HD a instalaciones multimedia y performance. Hace investigaciones de procesos y eventos cotidianos con la intención de exponer detalles que tienden a no ser vistos pero que pueden ser muy reveladores si son aislados y trasladados a otros contextos, la de una galería, un museo, un teatro. Es miembro del colectivo LaborBerlin, devoto de preservar y desarrollar las posibilidades creativas del formato de la película de celuloide y el proceso DIY, también forma parte de Hanna’s Atelier for for Sonorous Arts Ljubljana (Slovenia), una institución que promueve y hace investigaciones en formas de arte auditivas. También colabora con diferentes coreógrafos y perfomanceros, haciendo video para el escenario.

Su trabajo ha sido mostrado mundialmente en festivales de cine (incluyendo Berlín, New York, Rotterdam Intl Film Festival) y museos (Centre Pompidou en Paris, Royal Ontario Museum in Toronto). Febrero 2014, ganó el Oso de Plata, Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Berlín con su corto LABORAT.

Por parte del Interdisciplinary Art Festival Tokyo

 

1) FILM STRIPS II, IIMURA Takahiko, 13min., Japan, 1966-70/2009

Sinopsis:
“Eye For Eye, Ear for Ear? Cuando vine a los Estados Unidos a mediados de 1960 de Tokio, los movimientos hippies y las protestas de negros estaban en su punto más alto. Yo vivía en East Village en Nueva York, el cual era el centro de los movimientos mencionados, y veía TV noticias al respecto. En estos dos films, Film Strips I and II, grabados desde la call, y las noticias, pequeños segmentos son repetidos muchas veces de formas diferentes. Ellos reflejan mi estado interior en ese momento, compulsivo al mismo tiempo caótico. La música de Haruyuki Suzuki (2009) fue hecha para esta version de DVD 320 años después” (T.I.)

Biografía de Takahiko Iimura

Nació en Tokio en 1937. Después de graduarse del departamento de leyes en la Universidad Keio en 1959, comenzó a hacer películas experimentales. Con la ayuda de figuras como la artista de performance Yoko Ono, el pintor Genpei Akasegawa, el compositor Takehisa Kosugi, el bailarín Tatsumi Hijikata, Iimura produjo sus 8 and 16 mm películas de vanguardia. Formando “Film Independents”, un grupo de film experimental, en 1964, él organizó el primer festival de cine experimental independiente en la historia de Japón. Su película AI (Love) de 1965 fue muy aclamada por Jonas Mekas, un reconocido líder de la escena de cine experimental de Nueva York. En 1969, Iimura comenzó a hacer video arte, presentando solo shows en Museo Whitney en 1979, ganando una reputación internacional como artista del video. Entre sus trabajos más notables están Observed/Observed (1975), AIUEONN SIX FEATURES (1993), Y Seeing / Hearing / Speaking (2001). Él también a publicado muchos libros, incluyendo Geijutsu to hi-geijutsu no aida (Entre el arte y el no-arte) [San-ichi Publishing, 1970], y Eizo jikken no tame ni (Para la experimentación visual) [Seidosha, 1986]. Recibió el Japan Media Arts Festival Special Achievement Award en 2015.

2) timeless video -areas-, Shuhei NISHIYAMA, 4min., Japan, 2019

Sinopsis:
Los paisajes de Onagawa y Kesennuma en el área de Tohoku (Noreste de Japón) fueron grabadas con una video cámara que puede girar 360 grados por 30 minutos. Las imagenes fueron compresas a 36 segundos en tiempo y cortadas por un pixel y cada cuadro en tiempo y espacio. Puedes ver fragmentos no solo de los 30 minutos pero también de los 360 grados de paisaje en un cuadro al mismo tiempo. En este trabajo, un momento se vuelve eterno, y lo eterno se vuelve un instante.

Biografía de Shuhei NISHIYAMA
Sus trabajos son producidos al romper un mundo visualizado basado en una teoría de videos y representado a través de ideas del medio sobre el video. Hace sus trabajos al cortar sus videos y audios en pedazos de un pixel y cada cuadro para reorganizar el tiempo y el espacio. Hace instalaciones, videos de un solo canal, y performances en vivo en Japón y en otros lugares.

3) THE BOUNDARIES, Miaoyuan LONG and Zen LU, 15min., China, 2017

Sinopsis:
Un performance audiovisual en vivo del artista de sonido Zen LU y el artista visual Miaoyuan LONG (El ON/OFF media Group). Es una pieza que ilustra la frontera de Big Escape (Touch Base Policy) de China a Hong Kong durante 1950-70’s (la frontera entre Hong Kong and Shenzhen), y la Segunda Línea de la Frontera en Shenzhen Zona Económica Especial (la frontera entre China Socialista y China Capitalista), la cual fue usada para el control de flujo humano. Grabamos los puntos de revisión demolidos entre estas dos fronteras.

Biografías de los Artistas: Miaoyuan LONG and Zen LU
Miaoyuan LONG es un productor, director, y cinematógrafo, MFA en Creative Media y una licenciatura en Administración. Cineasta del cross-media y del cross-region. Fundador de Strory Farm Productions, la cual está dedicada a la creación de medios interdisciplinarios. Su trabajo ha sido seleccionado y/o premiado en muchos festivales de cine y bienales.
Zen LU es un músico experimental/electrónico, artista de sonido, fundador de We Play! Records y Neo Sound new art group y curador de eventos. Es uno de los fundadores de ChoP, un projecto músical entre China y Polonia. También es miembro de N2 New Media Art Lab.

4) COMPLIANCE LEVEL 0, Sung Nam HAN, 23min., Japan, 2018

Sinopsis:
Esta es la historia de una trabajadora temporal que presenta una queja al Departamento de Recursos Humanos de su área de envíos, una compañía grande. La heroína toma acción al hablar con los trabajadores de la oficina, quienes de manera automática se disculpan fácilmente ya que sus mentes están programadas como Débil AI. Es un trabajo de video arte que expresa los problemas sociales como el empleo no-regular, individuos versus compañías grandes, y los coreanos en Japón.

Biografía de Sung Nam HAN
Directora de Art in Country de Tokio. (AICOT) e Interdisciplinary Art Festival Tokyo (IAFT), Sun Nam HAN hace su trabajo artístico basada en el tema de “Qué es ver un video”, como instalaciones interactivas hechas a través de un fondo azul como método de edición llamado keying, trabajos de video portables/de bolsillo que utilizan celulares, pequeñas cámaras, o monitores. También exhibió
trabajos AR y ha hecho performances de arte enfocados en el concepto de ‘super linear’ que combinan video, juego, y danza. Sus actividades cubren un área diversa.

*
Sobre IAFT (Interdisciplinary Art Festival Tokyo)

En 2009 IAFT fue fundado, como una reencarnación de “Far East Audio Visual Socializations (FEAVS)”, para romper con la norma dominante de espacios y audiencias fijas; y para descubrir artistas que crean nuevos valores al ir más allá de las fronteras de la práctica artística. Presentamos artistas comprometidos con una práctica interdisciplinaria, creando nuevos valores que conectan a la gente al introducir más festivales dinámicos de arte que reflejan la sociedad contemporánea. Nuestro propósito es brindar perspectivas nuevas y libres que enriquecen a las personas con inspiración–expandiendo la oportunidad de artistas de presentar sus trabajos, al introducir arte experimental y de vanguardia. Nuestro objetivo es que creadores y espectadores se retroalimenten mutuamente: para construir los fundamentos de un nuevo arte, para rejuvenecer la escena del arte al mostrar artistas innovadores con conceptos claros y nuevas visiones.

Cinito 31 de Octubre 6PM

THE HOLY BUNCH

89 minutes
1991
Director: Heinz Emigholz

Sinopsis
Roy, un editor, está muerto. Sus amigos – un escritor, un traductor, un fotógrafo, un dibujante, y un arquitecto – están leyendo sus libros y tratando de reconstruir su vida. Esto lleva a algunos de ellos a la catedral de Colonia y a La Sagrada Familia; a otros a confrontaciones con sus propias proyecciones (literalmente en el caso de Carl, el escritor, perseguido por su creación, Rob).

Heinz Emigholz (1948, Alemania) fue entrenado cómo dibujante, antes de estudiar filosofía y literatura en Hamburgo. Actualmente trabaja como cineasta, actor, artista, escritor y productor en Alemania y Los Estados Unidos. En 1978, fundó su propia productora, Pym Films. Todos sus trabajos son parte del mismo proceso creativo, y en consecuencia, a veces tienen títulos similares. Muchos de sus trabajos los han puesto en series. Actualmente, Emigholz tiene una gran obra de arte y seguido hace film arquitectónicos, aunque a veces el límite entre estas dos expresiones es vaga. También enseña cine experimental en Berlín y en Suiza.

NO DATA PLAN

70 minutes
2019
Director: Miko Revereza

Sinopsis:
Un narrador sin voz repite detalles sobre la aventura de su madre mientras cruza America en tren. “Mamá tiene dos celulares. No hablamos sobre migración en su teléfono Obama. Para eso usamos el número que no tiene plan.” El viaje linear del tren moviendose de Los Ángeles a New York diverge hacía direcciones indomables de la consciencia. Una multiplicidad de voces comparten pensamientos, sueños, e historias evocando imágenes lejanas de los espacios cerrados del interior del tren. Al capturar los paisajes e interiores a través de su lente, las imágenes en movimiento evidentemente ilustran una subjetividad no documentada, un sitio de movimiento precario, migración, y ser fugitivo en America.

Bio:
Miko Revereza es un cineasta basado en Manila, Filipinas. Su formación como un migrante indocumentado en los Estados Unidos informó muchas de sus películas; DROGA! (2014), DISINTEGRATION 93-96 (2017), No data plan (2018) and Distancing (2019). Sus películas han sido mostradas internacionalmente en festivales como Locarno Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Yamagata International Documentary Film Festival, NYFF Projections and Film Society of Lincoln Center’s Art of the Real. Está en la lista de las 25 nuevas caras del cine independiente de la revista Filmmaker en 2018. Pertenece al Flaherty Seminar del 2019 y se acaba de graduar del Bard MFA.

Cinito 1 de Noviembre 4PM

ZERO PATIENCE 

101 minutes
1993
Director: John Greyson

Sinopsis:
Zero Patience es una película musical del 1993 escrita y dirigida por John Greyson. El film examina y refuta la leyenda urbana de la introducción del HIV al norte de los Estados Unidos por un solo individuo, Gaëtan Dugas. Dugas, mejor conocido como el Paciente Cero, fue etiquetado en la imaginación popular con la culpa en gran medida a causa de la historia de los primeros días de la epidemia del SIDA de Randy Shilt, titulada And the Band Played On (1987). El filme cuenta la historia en contraste con un romance entre un Sir Richard Francis Burton dislocado en el tiempo y el fantasma de “Zero” (el personaje no es identificado con el nombre de Dugas).

Bio:
John Greyson (nacido en Marzo 13, 1960) es un director canadiense, escritor, video artista, productor, y activista politico, y su trabajo trata frecuentemente con temáticas gay. Greyson es profesor de la escuela de cine en la Universidad de York, donde enseña cine y teoría del video, producción cinematográfica, y edición. Fue parte de un grupo de cineastas que emergieron en los 80s en Toronto y fueron conocidos como Toronto New Wave.

DONA HARAWAY: STORY TELLING FOR EARTHLY SURVIVAL 
2016
Dir: Fabrizio Terranova

Sinopsis:
El filme muestra Haraway en una exploración entretenida y divertida sobre su vida, influencia, e ideas. Haraway es una apasionada y discursiva narradora de historias, y el filme está estructurado alrededor de una serie de discusiones, en su casa de California la cual ella ayudó a construir a mano, sobre temas como capitalismo y lo antropoceno (un término que ella “usa pero encuentra problemático”), la escritura de la ciencia ficción como texto filosófico, parejas sexuales y matrimonios poco convencionales, el role del Catolicismo en su crecimiento, humanos y perros, la supresión de la escritura de la mujer, la fascinante y sorprendente historia de la ortodoncia estética, y la necesidad de nuevas narrativas post-coloniales y post-patriarcales. Es un rango notable e impresionante, de una pensadora ágil y una mente curiosa.

Bio:
Fabrizion Terranova es un cineasta, activista, dramaturgo y profesor de la Escuela de Investigación Gráfica en Bruselas, donde a lanzado y co-dirige una maestria en Narración Especulativa. Es fundador también de Dingdingdong, un instituto dedicado a generar conciencia sobre la enfermedad de Huntingtong. Su documental experimental del 2010 Josée Andrei: An Insaine Portrait mostrado internacionalmente fue adaptado a un libre publicado por Les Éditions du souffle. Terranova recientemente publicó un artículo “Les Enfants du compost” in Gestes spéculatifs (Les Presses du réel, 2015) y el filme Donna Haraway, Story Telling for Earthly Survival.

WAR AT A DISTANCE
58 minutes
2003
Dir: Harun Farocki

Sinopsis:
En 1991, cuando las imágenes de la guerra del Golfo invadieron los medios internacionales, era virtualmente imposible distinguir entre las imágenes reales y las que fueron generadas por computadora. La pérdida de esto cambió por completo la manera en que desciframos lo que vemos.

La imagen ya no se puede usar como testimonio, pero tampoco como una conexión indispensable en el proceso de producción y destrucción. Esta es la premisa central de War at a Distance, que continúa la deconstrucción de aserciones sobre la objetividad visual que Harun Farocki desarrolló en sus primeros trabajos.

Con la ayuda de material de archivo y original. Farocki se propone en efecto definir la relación entre la estrategia militar y la producción industrial y muestra cómo la tecnología de la guerra encuentra aplicaciones en la vida cotidiana.

Dir:
Cineasta aleman, Harun Farocki comienza a hacer cine a finales de los 60’s en medio de una cultura muy politizada. Citando la influencia de tales practicantes de la cultura Marxista cómo el director Bertolt Brecht, el filósofo Theodor Adorno, y el director de cine Jean-Luc Godard, Farocki consistentemente trató dos temas principales: las prácticas de trabajo y la producción de imágenes.

PACKIN’
4 minutes
2001
Dir: John Greyson

Sinopsis:
Packin’ es un documento sobre la Cumbre de Libre Comercio en la ciudad de Quebec, 2001, contado en su totalidad por las entrepiernas de policías. Entrepiernas aburridas, entrepiernas nerviosas, entrepiernas violentas: una visión única sobre la abrumadora presencia de la policía que llenaron de gas lacrimógeno a una ciudad.

Bio:
John Greyson (nacido en Marzo 13, 1960) es un director canadiense, escritor, video artista, productor, y activista politico, y su trabajo trata frecuentemente con temáticas gay. Greyson es profesor de la escuela de cine en la Universidad de York, donde enseña cine y teoría del video, producción cinematográfica, y edición. Fue parte de un grupo de cineastas que emergieron en los 80s en Toronto y fueron conocidos como Toronto New Wave.

ON GUARD
18minutes
2018
Director: Jeamin Cha

Sinopsis:
On Guard representa una paradoja en un role doble de “cuidado” y de “protección” al rastrear las acciones cotidianas de un guardia de seguridad y un enfermero y buscando las intersecciones entre ellos. Los dos cuidando un paciente y protegiendo un edificio involucra un continuo de acciones repetitivas. Escenas de simetría y horizontes siguen una a otra para acentuar el sentido de reglas y repeticiones; dentro de los escenarios, K, el guardia, va caminando mientras llama a alguien. Dentro de un edificio que está herméticamente cerrado, se vuelve cada vez menos claro qué es lo que debe ser protegido y qué es lo que debe ser mantenido dentro, mientras el patrullaje diario continúa. Al captar objetos que de repente se caen o colapsan en los pasillos o el estacionamiento subterráneo, el trabajo de video representa que no están completamente fuera de la consciencia pero que no son completamente comprendidas. Por ejemplo, un trapeador se cae, un pilar de sillas se colapsa, cables hacen corto, y un zapato se cae; una serie de situaciones cotidianas que incrementan el peso de la ansiedad.

Bio:
Jeamin Cha participó en numerosas exhibiciones en grupo y festivales, que incluyen Film en Lincoln Center, New York; Barcelona Museum of Contemporary Art; National Museum of Modern y Contemporary Art, Seoul; Berlin International Film Festival; Gwangju Biennale; Seoul Museum of Art Biennale Mediacity; Jeonju International Film Festival; Ilmin Museum of Art, Seoul; DOOSAN Gallery, New York, Seoul; Institute of Contemporary Art en la University of Pennsylvania, Philadelphia; y Kukje Gallery, Seoul. El trabajo de Cha ha sido incluído en colecciones públicas del National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; y KADIST, San Francisco.
Rez de Belgrado Primera Parte: 

YOU HAVE THE NIGHT
a film by Ivan Salatić
82′ / 2018
Montenegro, Serbia, Qatar
World premiere: 33. Venice International Film Critics’ Week

Sinopsis:
Después de perder su trabajo una anfitriona en un barco, Sanja se encuentra varada, y no tiene a donde ir excepto a casa. Al regresar a su pequeña ciudad costera en Montenegro, descubre que el astillero está lleno de corrupción, dejando a muchas personas sin trabajo. Botes llenos de lona alquitranada están a la deriva en un paisaje olvidado, a la espera de mejores días. Una tormenta llega, y una vida se pierde, mientras Luka espera una noche en el bosque, una noche en donde todo puede cambiar.

TRANSITION

Dir: Milico Tomović

2016

Serbia

Sinopsis

Jana dice adios a los miembros de su banda, amigos, ex-novia y su familia. Todos comparten un sentimiento de arrepentimiento al decirle adios, pero también de alegría por su brillante futuro en Michigan, donde ella va a hacer sus estudios de posgrado. Solamente su hermana sabe su secreto, que Jana no va a estudiar, Jana va ha hacerse su cambio de sexo. Estos son sus dos días para decir adios a su vida.

Brew Lab 1 de Noviembre (El Paso Texas) 5:30 PM

Short Program 2 

1)

DISGRACEFUL BLUE 
10:30 minutes
2016
Director: Young Joo Lee

Sinopsis:

Una mujer asiatica, la artista, da a luz a una niña de ojos azules. Su familia ignora a la recién nacida a causa de su apariencia interracial. La mujer salta al mar con su bebé, lo cual cambia la perspectiva narrativa de la mujer a la bebé.

La historia trata un viaje de una heroína quien es “la otra” en una sociedad conservadora. Ella se vuelve parte de la mayoría al esconder su otredad solo para darse cuenta al final, que su “azulado” interior no muere, pero que solo nace de nuevo en otra forma, en otra generación. El soundtrack del video fue creado completamente a partir de la voz del artista y el sonido de su cuerpo en movimiento. El concepto del viaje interior viene de las pinturas tradicionales asiáticas de paisajes en pergamino. Las pinturas en pergamino representan paisajes ideales imaginarios. El paisaje y la arquitectura en esta animación son espacios psicológicos y locaciones que existen en una memoria personal.

Bio:

Young Joo Lee encuentra inspiración en sus sueños, historias personales y políticas para crear esculturas, dibujos, y piezas performatives. Sus recientes videos animados son una compilación de estos medios, los cuales reflejan la estructura de un pergamino para poder llevar al espectador en un viaje imaginario. Su trabajo es un vistazo a cómo nuestros medio ambientes no solo están fuera de nosotros sino cómo verdaderamente alteran nuestra percepción total informando nuestras identidades personales.

Young Joo Lee (n. 198 Seúl, Corea) vive y trabaja en Los Ángeles. Tiene un BFA en pintura de Hongik Arts University, Corea, un Meisterschülerin en cine de Städelschule, Frankfurt Germany, y un MFA en escultura de la universidad de Yale. Ha exhibido su trabajo nacional e internacionalmente. Lee es actualmente Collage Fellow en Media Practice en la Universidad de Harvard y está afiliada a la Concentración de Teatro, Danza, y Nuevos Medios.

2)
MASK
6:30 minutes
2017
Director: Jaakko Pallasvuo

Sinopsis:
Basada en un texto escrito por Huw Lemmey

Bio:
Jaakko Pallasvuo (1987) vive y trabaja en Helsinki, Finlandia.
Pallasvuo hace videos, textos, performances e instalaciones que exploran las ansiedades de estar vivos en estos momentos, y la posibilidad de vivir en algún futuro posible.

3)
Water Ritual 1: An Urban Rite of Purification
6 minutes
1978
Director: Barbara McCullough

Sinopsis:

“WATER RITUAL es el punto inicial de mi viaje para crear experiencias catárticas para mi y para mi comunidad y otros participantes espectadores a través de seleccionar acciones simbólicas que se comunican con un pasado espiritual y ancestral”. (B.M.)

She was a princess from the other side
where the winds blew gently and mist
covered the lush green denseness
of the bush nearby…

She stands transfixed in another time and space
but her name is still Milanda
and the ways of her people still stir
within her heart

Her prayer is long remembered, flowing
renewed with the movement of her hands

She, then, moves towards the alter, the offering
space where the purging an d purification
begin…

Bio:
Barbara McCullough (nacida 1945) es una directora, productora administrativa y artista de efectos visuales a la que su trabajo de dirección se le asocia con el cine independiente negro de la escuela de Los Ángeles. Es muy conocida por su trabajo Water Ritual #1: An Urban Rite of Purification (1979), Shopping Bag Spirits and Freeway Fetishes: Reflections on Ritual Space (1980), Fragments (1980), y World Saxophone Quartet (1980).

4)
A CHRONOLOGY ABOUT THE BAD BLOOD
13 minutes
2017
Dir: Sejin Kim

Sinopsis:
Kim Myeongsun era una muy talentosa pero olvidada mujer en la historia de la literatura moderna Coreana. Kim dejó numerosos trabajos de varios géneros como novelas, poesía, obras de teatro, ensayos y traducciones, pero los vestigios de su vida y trabajo son muy limitados. Su madre era una prostituta y concubina. Sus humildes orígenes y la terrífica experiencia de haber sido violada en su primera cita con un hombre le generan una sombra en sus actividades como escritora en una sociedad dominada por el hombre en un sistema clasista.
Usé una estructura cinemática para resumir a una persona que existía como un fantasma en la historia. Como una piedra angular, elijo un “día ficción” en abril de 1951, que se asume es el día en que murió Kim Myeongsun. El guion está compuesto por los propios escritos de Kim llenos de deseos y deficiencias, idealismos y realidades, solidez y soledad. La cronología del la escritura no es nunca clara. En el video, cientos de sus poemas relatan una narrativa individual una especie de poesía leída llamada ‘spoken word’ junto con elementos auditivos como sonido, narración y voz, difuminando los límites entre ficción y no-ficción.

Bio:
Sejin Kim recibió su MFA en Bellas Artes de Slade School of Fine Art en Londres y un MA en cine/TV de Sogang University en Seúl. Trabaja con una variedad de aparatos mediáticos, incluyendo documental realista y lenguaje cinematográfico para explorar varias relaciones perplejas entre individuos y sistemas sociales contemporáneos. Esto es una cronología de la ansiedad y el miedo, la soledad y la alienación, conflicto y confusión, y las condiciones que un individuo tiene que resistir para negociar su existencia e identidad en una sociedad que se sostiene asimisma al imponer limites a sus miembros.

5)
FETISH PUPPIES BREAK FREE
15 minutes
2019
Dir: Lior Shamriz

Sinopsis:

En 1934 Berlín, un judio negro quien está casado con una alemana blanca es visitado por un amigo que le suplica que se vaya de la ciudad.

Bio:

Lior Shamriz es un director de cine, artista visual, y músico. Sus películas son narraciones ensayistas que utilizan el cine como performance y los lenguajes cinematecos como un proceso reflexivo de documentación. A través de sus películas, instalaciones de multi-canales, música y performances participativos, explora y cuestiona ideas sobre la sociedad, la existencia, y el cuerpo.

Shamriz ha presentado sus películas en numerosos festivales incluyendo Berlinale, Locarno, Sarajevo, MoMA’s ND/NF, BAFICI, Frameline, MixNYC, Torino y espacios como Washington DC National Gallery, Walker Art Center, y Lincoln Center New York. Ganó multiples premios en Oberhausen, donde tuvo una nominación para el Max Ophüls Prize, y finalista en el German National Gallery Prize for Young Art Film. Recibió retrospectivas en el Thessaloniki Intl FF y Ars independent Katowice, estuvo en Artist-in-Residency at the Taipei Artist Village, Vermont Studio Center, Seoul Museum of Arts Nanji, Geumcheon Seoul Art Space and PAM Residencies Los Angeles, donde lidereó talleres de film/performance y curó programas. Nació en Ashkelon, Israel, se dio de baja del ejercito cuando tenía 19 años y se mudó a Tel Aviv, donde comenzó a trabajar haciendo películas y experimentando con música generada por computadora y haciendo publicaciones de arte colectivo. Después de vivir una década en Berlín, se mudó a California.

TROUBLE

Dir: Mariah Garnett

2019

Sinopsis:
Trouble comienza en Viena, con la cineasta encontrando a su padre, David, quien ella no ha visto desde que tenía 2 años. Texto en la pantalla el estado interno de Garnett, y es yuxtapuesto en contraste con entrevistas con David, así como documentación de iPhone de su floreciente relación. Eventualmente, él comienza a decirle sobre su niñez, y de donde vino, Belfast, Norte de Irlanda. Ella lo sorprende al mostrarle un documental de la BBC que fue hecho en 1971 sobre su relación interreligiosa con una joven católica de 19 años. Son mostrados como cruzados por las estrellas perdidos en un conflicto insensible. Él muestra inexactitudes en su representación, él explica, que llevan a amenazas de la iglesia católica y grupos paramilitares protestantes y su eventual huida de Irlanda. Después de que se transmitió, él cortó todo contacto con sus amigos y familiares y nunca volvió. El film viaja al norte de Irlanda y fluye a una reconstrucción imposible de los primeros años de David en Belfast. Garnett viaja ahí, y usa audio previamente grabado de entrevistas de David para hacer un performance trans-género haciendo fonomimica en donde ella personifica la joven presencia de su padre y a una actriz transgénero en el role de su novia. El film pasa por varios ciclos de modos de cámara-viñetas narrativas grabadas en RED al mismo tiempo que un estilo verité..que recrea-para crear un recuento fragmentado de un adolescente tratando de encontrar su identidad en una sociedad que se deteriora rápidamente. Las capas de textura en este film reflejan el lente fragmentado de la historia, y señalan la imposibilidad del cine como el contenedor de la “verdad”. En Trouble, significa una conexión entre un padre distanciado y su hija adulta, una forma de resaltar las complejidades de la representación y la construcción de la identidad.

Bio:
Mariah Garnett mezcla documenta, narrativa y practicas de cine experimental para hacer un trabajo que llega a gente y comunidades que existen más allá de su experiencia inmediata. Usando material de origen que va desde texto encontrado hasta su propio padre, Garnett a menudo se inserta en sus propios filmes, creando alegorías cinematográficas que codifican y localizan la identidad. Sus películas deconstruyen la jerarquía convencional entre el director y el sujeto, un modo que históricamente ha competido a los directores que económicamente, racial, y en términos de género han sido privilegiados. Al incluir su propia imagen, Garnett posiciona su queerness en relación al tema tratado que en la superficie parece disconexo de la identidad LGTB. Los trabajos de manera simultánea reconocen un deseo natural de contacto con los otros, y los legados de abuso y ‘otredad’ que circulan la mediación de ese deseo a lo largo de la historia. De esta forma, Garnett crea un espacio en sus filmes donde más de una sola cosa puede ser verdad.

Ella tiene un MFA de Calarts en Film/Video y un BA de Brown University en Civilización Americana. Es 2019 Guggenheim fellow y su trabajo ha sido exhibido en New Museum (NY), Metropolitan Arts Centre (Tate Belfast), BFI London Film Festival, New York Film Festival y the Hammer Museum (LA). Ella vive y trabaja en Los Ángeles.

Cinito 3 de Noviembre 6PM

LEAVING TO BE FOLLOWED

70 minutes
2017
Dir:Kristof Trakal

Sinopsis:
Leaving to be Followed representa un grupo de hacedores de tutoriales y su experimento de abandonar el espacio vigilado de una sociedad post-socialista. Para su canal de video de sobrevivencia se documentan así mismos mientras ocupan un área segregada que era un área militar de GDR. Mientras tratan de involucrar a un activista de izquierda quien era parte de una célula terrorista de los 90s el grupo se topa con complicaciones. Leaving to be Followed es un filme sobre la brecha generacional y el deseo de los millennials por la urgencia política de los 90’s. Es un filme sobre los imaginarios de la Alemania del Este, cultura DIY y la anti-vigilancia.

Bio:
Trakal (*1988, Dresden) es un cineasta, escritor y artista participante basado en Berlín. A través de su proceso colaborativo, interrogación histórica e investigación interpersonal Trakal desarrolla películas, textos y animaciones que tratan con preguntas de autoridad, resistencia, y disidencia. Interesado en prácticas de juegos de rol, acción colectiva, y psicología de grupo, el trabajo de Trakal pone énfasis en el impacto de la producción del sujeto neoliberal, procesos post-socialistas y la tecnología de espionaje tienen en nuestras comunidades. El trabajo de Trakal se ha mostrado en el Museo de Fotografía de Berlín, Museum Folkwang Essen, Cinemateca Distrital Bogotá, Savvy Contemporary Berlin, Julia Stoschek Collection Düsseldorf. Recientemente Trakal participó en el Whitney Independent Study Program in New York.

Short Program 3

4 Films

1)
APOCALYPSE AFTER
37 minutes
Dir: Bertrand Mandico

Sinopsis:
Un resort en la costa abandonado. La filmación de una película de fantasia sobre el final de una era está por terminarse. Dos mujeres, las dos miembros de el equipo de grabación, una es actriz, la otra es la directora, Apocalypse y Joy, están a punto de terminar su relación amorosa.

Bio:
Bertrand Mandico ha trabajado en muchas instituciones de arte y dirigido muchos cortometrajes y recibido premios de festivales de cine internacional. Mientras que continua con su proyecto de dirigir 21 cortos en 21 años con la actriz Elina Löwensohn, dirigió The Wild Boys, su primer largometraje en 2017. En 2018, su cortometraje Ultra Pulpe tuve una muestra especial en Cannes en la 57th Semaine de la Critique.

2)
A CHRONOLOGY ABOUT THE BAD BLOOD
13 minutes
2017
Dir: Sejin Kim

Sinopsis:
Kim Myeongsun era una muy talentosa pero olvidada mujer en la historia de la literatura moderna Coreana. Kim dejó numerosos trabajos de varios géneros como novelas, poesía, obras de teatro, ensayos y traducciones, pero los vestigios de su vida y trabajo son muy limitados. Su madre era una prostituta y concubina. Sus humildes orígenes y la terrífica experiencia de haber sido violada en su primera cita con un hombre le generan una sombra en sus actividades como escritora en una sociedad dominada por el hombre en un sistema clasista.

Usé una estructura cinemática para resumir a una persona que existía como un fantasma en la historia. Como una piedra angular, elijo un “día ficción” en abril de 1951, que se asume es el día en que murió Kim Myeongsun. El guion está compuesto por los propios escritos de Kim llenos de deseos y deficiencias, idealismos y realidades, solidez y soledad. La cronología del la escritura no es nunca clara. En el video, cientos de sus poemas relatan una narrativa individual una especie de poesía leída llamada ‘spoken word’ junto con elementos auditivos como sonido, narración y voz, difuminando los límites entre ficción y no-ficción.

Bio:
Sejin Kim recibió su MFA en Bellas Artes de Slade School of Fine Art en Londres y un MA en cine/TV de Sogang University en Seúl. Trabaja con una variedad de aparatos mediáticos, incluyendo documental realista y lenguaje cinematográfico para explorar varias relaciones perplejas entre individuos y sistemas sociales contemporáneos. Esto es una cronología de la ansiedad y el miedo, la soledad y la alienación, conflicto y confusión, y las condiciones que un individuo tiene que resistir para negociar su existencia e identidad en una sociedad que se sostiene asimisma al imponer limites a sus miembros.

3)
SEMRA ERTAN
7:30 minutes
2013
Dir: Cana Bilir-Meier

Sinopsis:
Semra Ertan nació en Turquía, 1956 y se mudó a vivir con sus padres a la República Federal de Alemania en 1972. Trabajó como dibujante así cómo interprete y escribió 350 poemas. 1982 Semra Ertan se inmola en Hamburgo como un símbolo en contra de la xenofobia y racismo en Alemania.

Bio:
Cana Bilir-Meier vive y trabaja en Munich (Alemania) y Viena (Austria). Estudió medios/arte digital(es) y cine y educación en arte en la Academy of Fine Arts en Viena y en Sabanci University en Istanbul (Turquía). Trabajó como cineasta y artista y en proyectos de arte y cultura educativa. Sus trabajos basados-en textos, fílmicos, y performatives, se mueven a la interface entre trabajos de archivo, producción textual, investigación histórica, y medios contemporáneos reflexivos, o arqueología.

4)
FETISH PUPPIES BREAK FREE
15 minutes
2019
Dir: Lior Shamriz

Sinopsis:
En 1934 Berlín, un judio negro quien está casado con una alemana blanca es visitado por un amigo que le suplica que se vaya de la ciudad.

Bio:
Lior Shamriz es un director de cine, artista visual, y músico. Sus películas son narraciones ensayistas que utilizan el cine como performance y los lenguajes cinematecos como un proceso reflexivo de documentación. A través de sus películas, instalaciones de multi-canales, música y performances participativos, explora y cuestiona ideas sobre la sociedad, la existencia, y el cuerpo.

Shamriz ha presentado sus películas en numerosos festivales incluyendo Berlinale, Locarno, Sarajevo, MoMA’s ND/NF, BAFICI, Frameline, MixNYC, Torino y espacios como Washington DC National Gallery, Walker Art Center, y Lincoln Center New York. Ganó multiples premios en Oberhausen, donde tuvo una nominación para el Max Ophüls Prize, y finalista en el German National Gallery Prize for Young Art Film. Recibió retrospectivas en el Thessaloniki Intl FF y Ars independent Katowice, estuvo en Artist-in-Residency at the Taipei Artist Village, Vermont Studio Center, Seoul Museum of Arts Nanji, Geumcheon Seoul Art Space and PAM Residencies Los Angeles, donde lidereó talleres de film/performance y curó programas. Nació en Ashkelon, Israel, se dio de baja del ejercito cuando tenía 19 años y se mudó a Tel Aviv, donde comenzó a trabajar haciendo películas y experimentando con música generada por computadora y haciendo publicaciones de arte colectivo. Después de vivir una década en Berlín, se mudó a California.
Rez de Belgrado Segunda Parte: 

WIND

Dir: Tamara Drakulić

2016

Serbia

Vamos a enamorarnos con esta historia traída desde Belgrado para Juárez…con esto cerramos nuestro festival

Mina se enamora de un surfeador de papalotes, Saša, quien es más grande que ella y está comprometido con Sonja. Un triángulo amoroso que no tiene consecuencias evidentes pero que deja una profunda marca en el universo de la adolescente.

CENTAR
a film by Ivan Marković
48′ / 2018
Serbia, Germany
World premiere: Doclisboa 2018

Cinco minutos de silencio, blanco y negro, archivo encontrado editado por Ivan Marcović quien introduce la sesión para mostrar la historia de la construcción del Nuevo Belgrado. Sava Centar es un espacio del congreso construído en 1978 en Belgrado, Yugoslavia, cuya arquitectura refleja la idea del futuro.

 

#projectspacefestivaljuarez2019

D-Bear

 

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